Enquête sur le secret des créateurs

Écrivains, cinéastes, chorégraphes, auteurs de bandes dessinées, musiciens, chanteurs, chercheurs…qu’est-ce qui pousse tout ce monde à créer ? Par le biais d’interviews de 24 personnalités, Hubert Ripoll tente d’apporter des pistes de réponses.
Cet ouvrage conviendra en premier lieu à ceux (et celles) qui ont une activité artistique ou créatrice. Plus qu’une réponse toute faite, l’auteur lance des pistes intéressantes et invite les lecteurs qui le souhaitent à venir poursuivre le débat sur son blog (voir lien dans la colonne de droite de , dans la rubrique « écrire ailleurs sur le net »). Ces pistes, si elles n’apportent pas de réponses définitives, permettront aux créateurs amenés à se développer, de mieux trouver leur voie.
La première partie s’attache au moteur de la création. L’auteur donne une grande importance à l’étincelle initiale qui serait à l’origine de la création, une émotion éprouvée dans l’enfance. Je suis dubitatif, il y a quelque chose d’un peu autoréalisateur dans cette question.
Je me souviens avoir été effrayé dans mon enfance par le tableau de Goya « Chronos dévorant ses enfants ». Je pourrais dire que c’est de là que vient mon intérêt pour la mythologie gréco-romaine et par là même, pour les systèmes de représentations sociales. C’est joli et ça rentre dans les clous, mais ce n’est peut-être pas vrai du tout, même si ce tableau me faisait effectivement peur quand j’étais petit. Ce que je veux dire, c’est qu’il est toujours facile de reconstituer a posteriori un souvenir déclencheur.
Personnellement, je crois beaucoup plus à la lueur qui obsède le créateur et par laquelle il est irrésistiblement attiré, comme l’âne est attiré par la carotte que le cavalier a accroché au bout du bâton.
Sur la seconde partie, je suis d’accord avec lui pour ce qui concerne l’accompagnement dans le cheminement qui est essentiel. Complètement d’accord aussi pour tout ce qui concerne les liens entre création et plaisir. D’accord enfin pour ce qui concerne la résilience, mais j’ai regretté qu’il passe un peu rapidement sur un sujet qui me passionne.
Concernant les liens entre création et ordre, je ne sais pas. Effectivement, créer c’est faire sortir quelque chose de nouveau et c’est donc un peu révolutionner, mais bon, j’ai du mal à admettre que tous les créateurs soient des révolutionnaires.
Pour finir, j’ai beaucoup apprécié ce qu’il dit sur les rapports entre reconnaissance et création. L’adéquation ne va pas de soi. Et si être reconnu, c’était répondre à l’attente créatrice d’une société qui considérera alors le créateur comme sa propre création? Bref, ce livre est un bon compagnon de route.
Edouard

Enquête sur le secret des créateurs
Payot
2015

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Camille et Paul : la passion Claudel

Biographies croisées du frère et de la sœur.

Pendant très longtemps, je n’ai pas fait le rapprochement. Camille Claudel, c’était surtout Adjani. Paul Claudel, c’était un écrivain catholique qui avait rencontré Dieu derrière une colonne à notre Dame, un auteur dont parlait mon grand-père que j’imaginais un peu poussiéreux et très ennuyeux. J’ai dû lire « l’annonce faite à Marie » il y a très longtemps et il ne m’en reste que le parfum presque effacé d’amours impossibles grandiloquents et larmoyants.

Ce lien de filiation ne m’est apparu qu’il y a deux ans en lisant l’ « hécatombe des fous », une enquête sur les 45000 morts dans les hôpitaux psychiatriques français au cours de la Deuxième Guerre mondiale et qui évoquait brièvement la situation de Camille, ses liens avec sa famille et notamment avec son frère Paul. Je me suis alors posé la question que beaucoup se posent : comment se grand écrivain très chrétien a t-il-pu laisser sa sœur mourir de faim en 1943, dans un hôpital psychiatrique où elle aura passé trente ans de sa vie ? J’espérais trouver une réponse dans cet ouvrage découvert peu de temps après à la sortie d’une exposition.

Dominique Bona ne donne pas de réponse définitive, mais lance quelques pistes. La mère de Camille tout d’abord, défendra le choix de l’internement jusqu’à la fin de sa vie, redoublant d’efforts pour empêcher sa fille d’établir tous liens avec le monde extérieur. Cette attitude n’était pas à mon sens le fait d’une pure méchanceté, mais surtout un moyen de préserver l’image de la famille après sa relation passionnelle avec Rodin. À la décharge de madame Claudel, Camille sombrait dans un délire paranoïaque en 1913 et son internement semblait justifié dans le contexte de l’époque (aujourd’hui, des médicaments et une psychothérapie l’auraient certainement sorti d’affaire). On pourrait donc expliquer l’attitude de Paul en disant qu’il n’a pas voulu s’opposer à sa mère, mais après la mort de celle-ci, pourquoi n’a-t-il rien fait ?
La réponse se trouvait quelque part dans l’inconscient de Paul Claudel : passion coupable pour une sœur qu’il adorait ? Jalousie ? Peur de sa propre fragilité psychique ? Elle se trouve aussi en partie dans l’esprit d’une époque où la maladie et à plus forte raison la maladie mentale était tabou. Une époque de secrets remplie de choses dont on ne parlait pas, en partie pour des raisons religieuses, de choses que certains savaient et que d’autres ignoraient ou préféraient ne pas savoir. Bref, une époque sans Wikipédia. La réponse de Paul à une question que lui posa au sujet de sa sœur un journaliste en 1951 ne peut que susciter l’indignation : « Et tous ses dons superbes n’ont servi à rien : après une vie extrêmement douloureuse, elle a abouti à un échec complet ».

Si Paul Claudel parlait de reconnaissance artistique, il est vrai que Camille restera longtemps dans l’oubli, pour n’en sortir vraiment qu’au début des années 80. En 89, lorsque sortit le film de Bruno Nuytten avec Adjani et Depardieu, il n’était plus pour une large part de la jeune génération, qu’un écrivain un peu poussiéreux et visiblement ennuyeux dont parlait leur grand-père…
Dominique Bona
Le livre de poche
2007
Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Hokusai

Deux heures de queue au Grand Palais sous la pluie en semaine. Le week-end, c’est pire. Je ne suis pas certain que ceux qui ont déjà leur place avant de venir avancent tellement plus vite, le coupe-fil peut être…quoi qu’il en soit, l’attente est largement récompensée.

Hokusai, qui eut un nombre invraisemblable de noms au cours de sa vie et qui fit porter son nom à l’un de ses disciples était un homme de la première moitié du XIXe siècle japonais, un homme d’avant l’ère Meiji, d’avant la grande ouverture vers l’occident. C’est un homme qui, à travers des milliers de croquis, brosse une société traditionnelle qui va se modifier en profondeur à la fin du XIXe. Il est le peintre d’une société et aussi de ses traditions, de ses héros, de ses monstres. Un monde magique que l’on retrouve dans les dessins animés de Miyasaki : Princesse Mononoké, le voyage de Chihiro et mon voisin Totoro sont profondément imprégnés de l’univers d’Hokusai. C’est en partie par Hokusai que l’occident va découvrir le Japon à la fin du XIXe, il en résultera une relation décalée et passionnée entre ces deux univers artistiques qui révolutionnera la peinture occidentale.

Mais Hokusai n’est pas uniquement le vestige d’une époque révolue, c’est beaucoup plus que ça.

C’est tout d’abord un trait, une magie du mouvement, du vivant. Ce qui fascine chez ce peintre, c’est cette capacité a donner l’illusion d’une vitalité, d’une force supérieure qui fait que le tout est beaucoup plus que la somme des éléments qui le composent. Cette vitalité se ressent bien entendu dans ses scènes de genre, dans ses scènes mythologiques, mais aussi dans ses paysages. Coïncidence ou influence directe, les peintres allemands de la fin du XIXe s’efforceront eux aussi d’introduire dans leurs paysages cette force vitale qui intéressera tant les impressionnistes.

Son œuvre la plus célèbre, « la vague » est à ce titre emblématique : en la voyant, on a la certitude de ne pas voir qu’une vague. On voit une force, une puissance et plus on la regarde, plus on entend le rugissement des flots.

La seconde chose qui m’a fasciné chez Hokusai est liée à la première. Cette magie ne lui est pas tombée du ciel toute cuite, c’est le résultat d’une longue maturation, d’un travail et d’une certaine sagesse due à l’âge, la recherche inlassable d’un idéal. Le dernier panneau de l’exposition, une citation de Hokusai, m’a à ce titre beaucoup ému. J’ai retrouvé ce texte dans un tout petit bouquin bilingue français/anglais, vendu dans la librairie qui est juste à l’entrée du grand palais, sur la droite (éditions Fage). Je ne pourrai pas mieux définir que l’auteur, sa quête d’essence artistique et lui laisse la parole.

« C’est à l’âge de soixante-treize ans que j’ai compris à peu près la structure de la nature vraie […] à l’âge de quatre-vingts ans, j’aurai fait encore plus de progrès : à quatre-vingts –dix ans je pénétrerai le mystère des choses ; à cent ans je serai décidément parvenu à un degré de merveille et quand j’aurai cent dix ans, chez moi, soit un point, soit une ligne, tout sera vivant. »

Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Un demi siècle à Hollywood

Les pages cornées et jaunies dégagent une légère odeur de cave. Sur la couverture, un vieillard placide, arborant stetson, cigarette, veste à carreaux et bandeau sur l’œil, se détache d’un graphisme très 70’s. Le nom à mâcher du chewing-gum de l’auteur, Raoul Walsh, est inscrit au-dessus de la tête du cow-boy. Le genre de bouquin improbable qu’aurait pu lire un hippie en attendant son avion à Katmandou. Le genre de livre déniché dans une brocante pendant les vacances et qui vous assurera un franc succès cet hiver, lors de l’arbre de Noël organisé entre amis. Bref, un genre qui a vécu.
Le réalisateur américain Raoul Walsh (1873-1980) a lui aussi bien vécu. Je me suis toujours méfié des autobiographies. Là, au moins, on sait tout de suite que ce n’est pas la rigueur qui l’étouffe. Certaines anecdotes relatées au début de l’ouvrage sont tellement invraisemblables qu’on arrête vite de chercher la vérité. Le récit de sa jeunesse de cow-boy se déguste comme un bon album de Lucky-Luke. Ce qui intéresse le réalisateur, c’est le côté spectaculaire des choses, ce qui va plaire au public. Ayant grandi à l’époque du Wild West Show de Buffalo Bill, alors que l’ouest commençait à fabriquer sa propre légende, Walsh restera toute sa vie attaché à ce qu’était le cinéma à ses débuts : un divertissement.
On n’en saura pas beaucoup sur le réalisateur qui reste très factuel et ne fait qu’égrainer un nombre incalculable d’anecdotes. Walsh a connu beaucoup de gens connus dirait Raphaël Mezrahi.
Ce qui est par contre passionnant, c’est tout ce qui concerne l’histoire du cinéma américain au cours de la première moitié du XXe siècle : l’installation des premiers studios à Los Angeles en 1911, la sortie de « naissance d’une nation » de Griffith, premier long métrage de l’histoire du cinéma dans lequel Walsh incarnera l’assassin de Lincoln, l’arrivée du son au milieu des années 20 qui fera entrer le cinéma dans une nouvelle ère.
Il ne dit rien de l’arrivée de la couleur ni de la télévision. Après la Seconde Guerre mondiale, le monde extérieur ne semble plus vraiment l’intéresser, la seule chose qui compte est les déconnages avec ses copains Wayne, Bogart, Gable et Flynn. Très peu de femmes, il parle un peu des actrices dans le cadre des tournages et de celles qui furent les partenaires d’une nuit. Il ne dit presque rien de Mary, sa femme qu’il épousera sur le tard. Walsh reste un cow-boy à l’ancienne, adorateur des amitiés viriles.
En 1973, il décide d’écrire ses mémoires, sans doute pour faire revivre une dernière fois une époque révolue…touchant. Un bon western.
Calman Levy
1976 (réédité en 1994)

Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Nageur de rivière

Le grand Jim semble se focaliser sur la forme de livres contenant deux ou trois longues nouvelles.
Celui-ci en contient deux.
1. Au pays du sans pareil.
Clive, 60 ans, retourne au Michigan pour s’occuper de sa vieille mère pendant un mois. Ce contact avec le passé dans la ferme familiale lui redonnera un nouvel élan et une nouvelle joie de vivre.
2. Nageur de rivière.
Thad, adolescent de sang indien, cherche son identité au bord du lac Michigan, dans une ferme solitaire.

Les personnages de Jim Harrison ont toujours quelque chose à nous raconter.

Clive le sexagénaire, peintre raté (quoique…) et critique d’art redouté, rumine son divorce, et tempête encore contre une amazone qui a taché son beau costume avec de la peinture jaune lors d’une conférence. Il retrouvera sa joie de peindre dans la ferme de son enfance.
Thad le gamin se met en tête de rejoindre Chicago à la nage. Et il y arrivera.
Deux apprentissages, l’un à l’automne, l’autre au printemps de la vie.
Deux histoires humaines, sensibles, sensuelles, un vrai bonheur.
Amitiés vivifiantes,
Guy.
Jim Harrison – 257 p.

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Bestiaire fantastique des voyageurs

Le lecteur sera étonné d’y trouver beaucoup d’hommes et la place de ces derniers dans un bestiaire pourra lui paraître pour le moins choquante. Toutefois, avant que la science ne se penche sérieusement, à partir du XVIIIe siècle, sur la classification des espèces animales, la distinction n’allait pas de soi. Que penser d’un Cafre, d’un Hottentot ou d’un Lapon ? Devait-on vraiment les considérer comme des humains à part entière ? La controverse de Valladolid en 1551 s’attachait au cas particulier des Indiens d’Amérique, mais soulevait une question beaucoup plus générale et qui n’a cessé de rendre dubitatifs les explorateurs à partir de la renaissance : qu’est-ce qui distingue l’humain du non humain ? Comment penser que ces créatures à l’apparence humaines, mais aux mœurs si étrangères aux habitudes européennes et qui, de surcroît, n’ont jamais entendu parler de Jésus, des apôtres, ni du martyr de sainte Agathe, puissent vraiment être des humains ? Inversement, cela ne semblait pas non plus invraisemblable de s’interroger sur la nature humaine du gorille, de l’orang-outan, de l’ours polaire ou de l’éléphant.
Saint Augustin s’est longuement penché sur la question des Cynocéphales pour conclure finalement qu’ils n’appartenaient pas à l’espèce humaine. Il ne doutait absolument pas de l’existence de ces individus au corps d’homme et à la tête de chien. Difficile à comprendre dans notre monde ultra rationalisé. Dans la pensée antique et médiévale, le rapport au vraisemblable était certainement très différent de ce qu’il est aujourd’hui. Le référentiel était alors celui des dieux, puis du christianisme, celui des savants, des anciens, à l’aune duquel on évaluait les expériences des rares explorateurs. Quand tout ça concordait globalement, pourquoi remettre en question la véracité des récits ? Quand bien même un homme du moyen âge aurait voulu le faire, avait-il la culture nécessaire ?
Ce qui dominait, c’était l’extraordinaire, le merveilleux, ce qui marquait les esprits, ce qui permettait de trouver des réponses à des questions essentielles, ce qui permettait de construire une identité. La réalité de tout ça n’intéressait finalement pas grand monde.
Aussi, je ne me prononcerai pas sur la réalité de l’existence du Catoplébas, du Fourmi lion, des Blemmyes, des Panottis et autres Sciapodes. J’invite seulement ceux qui voudraient voir s’ébrouer tous ces personnages à lire « Baudolino » d’Umberto Ecco.
Ceux qui mettaient en musique les récits des explorateurs n’étaient bien souvent pas les voyageurs eux-mêmes, ce qui, par l’effet bien connu du téléphone arabe, a pu introduire du merveilleux là ou il n’y en avait pas. Le voyageur cherchait certainement aussi à enjoliver son voyage et son auditoire, désireux de voyager à son tour à travers le récit, n’hésitait pas à y ajouter un peu de fantastique pour mieux goûter son plaisir. C’est sans doute comme ça que sont nés beaucoup d’animaux fabuleux. Aujourd’hui, tous ces êtres ont été démystifiés et le vrai séparé du faux. Ce qui reste à l’homme du XXIe siècle, c’est la soif de mystère, la soif de fabuleux, l’envie de croire en une autre réalité. L’ouvrage se referme sur le Yeti et souligne le fait que ce mythe ne date que du XXe siècle…les crypto zoologues n’ont pas dit leur dernier mot.
Collectif sous la direction de Dominique Lanni
Arthaud
2014
Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Noé

Que d’eau, que d’eau !

On ne présente plus ce mythe qui n’est certes pas antédiluvien, mais qui a tout de même du kilométrage : une histoire piquée par les Hébreux aux Mésopotamiens qui, eux-mêmes la tenaient de…on parle de l’ouverture du Bosphore, de la fin de l’âge de glace, pas facile à dater avec précision, mais très vieux en tout cas.

Bien sûr, l’adaptation biblique est libre, mais c’est le propre des mythes d’être triturés et digérés par les sociétés qui font le choix de les adopter. Ceci dit, il y a une certaine fidélité au récit originel, on ne massacre pas comme ça un récit véhiculé depuis 5000 ans. Le réalisateur met ici l’accent sur quelques détails bibliques un peu oubliés. Ainsi, Noé n’était effectivement pas un descendant de Caïn, mais de Seth, un rejeton d’Adam et Ève dont on ne parle pas souvent, moins impulsif que son aîné. Ca semble nous sauter aux yeux que les descendants de Seth sont plus zen que ceux de Caïn et Russel Crowe, qui incarne le patriarche, a bien un faux air de Charles Ingalls dans la première partie. Heureusement, à tout bien regarder, et c’est ce qui donne un peu d’épaisseur au film, il apparaît plus nuancé, indécis, souvent les yeux levés vers le ciel pour y recueillir un signe du tout puissant ou ce qu’il interprète comme tel. Violent, impitoyable, frisant la folie, obsédé par « son devoir », il finit par boire pour noyer les doutes qui l’assaillent et on le retrouve nu, ivre mort sur le rivage : une anecdote biblique authentique que le réalisateur reporte fidèlement, mais qui tombe un peu comme un cheveu sur la soupe dans son scénario.

Autre détail biblique: les Nephilim. Nulle part, il n’est écrit qu’ils aient construit l’arche, mais pourquoi pas. La genèse est plus que laconique sur ces « géants » qui auraient existé avant le déluge. Ces Anges déchus pétrifiés empruntent ici beaucoup à l’univers Tolkieno-Jacksonien. Physiquement, ils sont un mélange entre les Ents, les arbres géants des « deux tours » et les montagnes vivantes du premier volet du hobbit : « un voyage inattendu ». Psychologiquement, les Nephilim font penser à l’armée des spectres du « retour du roi ».

Donc, une relative fidélité au récit biblique des effets spéciaux qui rendent en particulier possible l’arrivée en masse des espèces animales dans l’arche, des combats au milieu de paysages désolés et grandioses qui font penser à Mad Max : la magie opère et la présence d’Emma Watson, l’Hermione d’Harry Potter, y est peut être pour quelque chose.

Bon d’accord, c’est une belle histoire, mais est-ce suffisant pour expliquer sa longévité? Ce qui assure la pérennité d’un mythe, c’est aussi sa capacité à s’adapter aux attentes des contemporains, à les toucher à travers le temps et l’espace. Pour parler du monde d’après le déluge, Noé utilise à plusieurs reprises l’expression « Nouveau Monde ». On pense bien entendu à l’Amérique d’après-guerre, s’érigeant au-dessus des cendres de l’Europe. Mais les hommes du « Nouveau Monde » restent cependant des hommes, capables du meilleur comme du pire. Noé, c’est aussi l’histoire d’un petit groupe d’élus qui, après un long cheminement, finit par accepter sa condition humaine. Une approche intéressante du récit biblique.

Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Gustave Doré : l’imaginaire au pouvoir

Gustave Doré ? Ah oui, celui qui illustrait le gros livre des fables de La Fontaine que je lisais avec mon grand-père quand j’étais petit. Pas mal, mais…un peu académique peut être, un peu premier degré.

Ce n’est qu’en me rendant à la magnifique exposition qui se tient au musée d’Orsay jusqu’au 11 mai que j’ai réalisé que 200 ans séparaient l’auteur des fables de l’illustrateur.

Caricaturiste à ses débuts, Doré a été aussi un artiste engagé qui a dépeint l’Europe de son temps, la misère londonienne, une Espagne un peu fantasmée, les déchirures de la France suite à la défaite de 1870, mais il est resté dans nos mémoires pour ces illustrations des grandes œuvres littéraires qui ont forgé la culture occidentale, à commencer par la bible.

Dante, Rabelais, Cervantès, Shakespeare, Tennyson, Milton, La Fontaine, Perrault…

Doré a créé des ponts visuels entre tous ces auteurs et a été un bâtisseur de la standardisation culturelle européenne.

Il se sentait rejeté par les cercles artistiques de son temps, ça ne m’étonne pas. Son trait été certes beau, mais très académique aussi, très imprégné de romantisme. Plus qu’un grand artiste qui bouleverse par sa vision du monde, je dirais qu’il a été un génial créateur de liant culturel, un grand bâtisseur de background représentatif, un grand unificateur de l’identité occidentale.

L’expo fait à juste titre le lien entre l’artiste et l’imaginaire cinématographique. Après Doré, Moïse à eu la même tête pour tout le monde…jusqu’à Cecil B. De Mille. Aujourd’hui, chacun sait que Moïse avait exactement la même tête que Charlton Heston. J’ai aussi pas mal pensé au seigneur des anneaux devant une illustration de la divine comédie montrant Dante et Virgile marchant sur un terrain marécageux au milieu de corps noyés et grimaçants.

Je dirais que, d’une certaine façon, Doré était un proto pop-artiste. Il a été aux années 1860 ce que sera Roy Lichtenstein aux 60’s.

L’œuvre est-elle là pour parler de l’artiste ou le créateur doit-il s’effacer derrière sa création ? De Proust à Truffaut, la question n’a cessé d’être débattue tout au long du XXe siècle et, il me semble, n’a pas trouvé de réponse définitive.

Quoi qu’il en soit, j’ai été très touché par les paysages qu’il peignait à la fin de sa vie, des paysages qui s’inscrivaient dans une autre veine artistique, très présente à l’époque chez les artistes allemands, et en particulier visible dans l’œuvre de Caspar David Friedrich (celui-ci est d’ailleurs cité dans l’un des panneaux). Comme si, au crépuscule de sa vie, Doré cherchait autre chose, une autre réalité, une certaine forme d’ «humanité » dans la nature. Une réalité qui aurait toujours été présente dans ses œuvres, qui n’avait jusque là qu’occupé le second plan et qu’il parvenait enfin à saisir : l’essentiel.

Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

Pixar, 25 ans d’animation

Au musée d’art ludique jusqu’au 2 mars, à côté de la gare d’Austerlitz.

Bon, je me suis encore planté de queue. Je m’apprête à me diriger vers la queue « sans billet » quand un agent de sécurité m’interpelle.

– Je peux vous permettre de ne pas faire la queue en vous vendant un billet directement.
– Euh…, vous êtes bien un agent de sécurité ?
-12€, sinon, il y a 30 minutes de queue.
Je lui tends un billet de 20€, mais il n’a pas la monnaie.

La queue « sans billet » est vraiment très longue et n’avance pas vite, plutôt 45 min que 30, à mon avis. Je commence à me dire que j’aurais peut-être dû lui laisser la monnaie quand je le vois arriver avec le sourire et 8€. Nous procédons à l’échange standard sous l’œil médusé des derniers arrivants, agglutinés derrière moi. Je pense que s’il s’était agi d’une barrette de shit, ils n’auraient pas été plus étonnés. Comme mon revendeur est agent de sécurité, il me fait aussi squeezer la queue « avec billet ».

Arrivé dans la première pièce, en voyant les regards amusés de Nemo et de Buzz l’éclair, je commence à comprendre. Ah d’accord, j’me disais aussi, ce genre de chose n’arrive jamais dans la vraie vie, ils sont vraiment fort ces Américains.

Expo sympa, beaucoup d’esquisses, d’aquarelles, de story-boards récapitulant les différentes phases de la construction des films d’animation, j’aurais bien aimé des panneaux un peu plus techniques et didactiques, mais les organisateurs de l’expo ont visiblement visé en priorité les 8-12 ans et leurs parents. Je ne regrette cependant pas d’être venu d’autant plus que je suis assez fan, je ne les ai pas tous vus, mais presque. Ils ont un incontestable talent pour donner de l’épaisseur à leurs personnages. Leurs scénarii et leurs univers tiennent aussi généralement bien la route. Mon préféré, c’est Wall-e. Bref, on s’en met plein les mirettes. Pour couronner le tout, une animation 3D sans lunettes assez sympa récapitule l’univers de Pixar.

Le clou de l’expo est le zootrope. Des personnages de Toy story sont positionnés sur un disque géant. En tournant à une certaine vitesse, le disque donne l’illusion que les personnages s’animent. C’est le principe de la lanterne magique qui a émerveillé nos arrières grands-parents à la belle époque : on ne réinvente pas l’eau tiède. Pas mal, mais ça ne vaut pas le coup de l’agent de sécurité revendeur.

À la sortie, je cherche en vain une représentation en magnet, en carte postale, en mug, en tasse à café, voire en t-shirt de mon bienfaiteur. Étrange, c’était peut-être une taupe de chez Disney.

Je me rabats sur un magnet Wall-e, histoire de me souvenir que tout ça n’était pas un rêve.

Edouard

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.

La Dame à la Licorne

« Cette histoire est pure fiction. Elle repose sur de raisonnables hypothèses concernant les tapisseries de La Dame à la Licorne. On ne sait pas à quelle date précise la situer, même si les vêtements des femmes et les techniques de tapisserie les font, sans doute, remonter à la fin du XVe siècle. Nous ne savons pas non plus à qui l’on en doit l’exécution, même si la facture et la technique donnent à croire que l’atelier devait être dans le Nord, sans doute Bruxelles, dont les mille-fleurs étaient alors une spécialité. »
Ce livre est à lire jusqu’à la page « notes et remerciements ». L’auteur s’est très bien documentée sur le sujet ce qui nous vaut une histoire très intéressante sur les techniques de tissage, comment étaient faite les couleurs, comment choisir le bon fil, ce que l’on mangeait à l’époque, l’ameublement, les coutumes, les mœurs, etc.
Quelques histoires d’amour agrémentent la narration… mais ne gênent pas et n’occultent pas la peinture et le tissage.
De cet auteur, j’avais lu « La jeune fille à la perle » qui parlait de Wermeer.
Mêmes soins apportés aux recherches, à l’écriture et c’est avec facilité et délice que j’ai lu TOUT ce livre.
La Martine émerveillée.
CHEVALIER Tracy
Folio 2011 (2003), 359 p.

Rejoignez Azimut sur Facebook en cliquant ici et soyez prévenu de toute nouvelle publication.